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En collaboration étroite avec le Studio Adrien Gardère, les architectes de Bien Urbain – atelier d’architecture, Guillaume Cantardjian, Nicolas Cèbe et Jérôme Stablon, repensent avec un regard contemporain les Galeries de la Mode du Musée des Arts Décoratifs de Paris (1er arrondissement). Une intervention subtile qui met en valeur l’écriture architecturale du bâtiment historique tout en sollicitant la créativité des scénographes. Au Musée des Arts Décoratifs, les galeries vouées à présenter les expositions temporaires sur la mode se déploient dans l'aile Rohan du Louvre bordée à la fois par le jardin des Tuileries et la rue de Rivoli. À la demande de l’institution, et grâce au mécénat de Stephen et Christine Schwarzman, les Galeries de la Mode ont été entièrement repensées par les équipes du Studio Adrien Gardère, qui s’est associé pour ce projet avec les architectes Bien Urbain – atelier d’architecture, le designer lumière Alexis Coussement ACL et le bureau d’études BETOM.L’aile Rohan avait fait l’objet dans les années 1990 d’une rénovation rendant difficilement visible la structure architecturale de l’édifice. Les architectes ont donc articulé la rénovation des galeries autour de la valorisation du patrimoine afin de révéler à nouveau les caractéristiques de cet édifice iconique. Les espaces d’expositions temporaires ont en effet été intégralement débarrassées des éléments superflus. Les murs, sols et plafonds sont désormais laissés bruts, et simplement stabilisés par une lasure minérale. Un nouvel escalier en béton, sculptural et discret, relie les deux étages. Les architectes ont également placé entre chaque refend des vitrines autonomes et modulables. Ces objets flexibles permettent de modifier facilement l’organisation des salles d’exposition, et garantissent aux scénographes une plus grande liberté de création lors de la conception d’un accrochage. Devenues de véritables « machines à exposer », les Galeries de la Mode du Musée des Arts Décoratifs peuvent enfin accueillir des scénographies variées. La réouverture de ces espaces a d’ailleurs été marquée par la scénographie minimaliste et efficace du Studio Adien Gardère réalisée pour l’exposition « Harper’s Bazaar, premier magazine de mode ». Cet événement, qui rend hommage au célèbre magazine de mode américain, donne ainsi à voir soixante créations de haute couture et de prêt-à-porter, et plusieurs contributions de grands artistes, illustrateurs et photographes à la revue, dans une mise en scène audacieuse. Une réhabilitation brillamment menée. Pour en savoir plus, visitez le site du Studio Adrien Gardère et de Bien Urbain – atelier d’architecture.Photographies : Luc BoeglyLéa Pagnier

L'architecte Michael McKinnell, co-auteur du Boston city hall, monument brutaliste, est décédé aux Etats-Unis, victime du coronavirus. L'architecte américain Michael McKinnell est décédé à l'âge de 84 ans, victime du coronavirus. Né en Angleterre, il avait cofondé l'agence Kallmann McKinnell and […] Lire l'article

Etat des combles au-dessus de la nef après l’incendie. [©Collection LRMH] Etat du chœur et du maître-autel après l’incendie. [©DR] Le 19 septembre 1914, les obus allemands tombent sur la cathédrale Notre-Dame de Reims. A 15 h, un incendie se déclare au niveau d’un échafaudage en bois monté sur la tour Nord en cours de restauration. A 15h30, la toiture prend feu à son tour. A 16 h, la grande Rose éclate, des flammes tombent sur de la paille stockée à l’intérieur. L’édifice n’est plus qu’un brasier. A 20h, l’incendie cesse. La toiture, la charpente, les cloches, les vitraux, le mobilier, le statuaire, les boiseries… Tout est détruit ou presque. Seul le gros œuvre de pierre a résisté en partie. C’est le terme de “reconstruction” qui sera employé, plus tard, pour décrire l’ampleur des travaux. Tant certaines parties irrécupérables devront être rebâties à l’identique. Oublier le chêne Dès 1915, Henri Deneux est nommé architecte en chef de la cathédrale. A la fin des hostilités, son premier travail constitue à inventorier et à classer les débris. Dans la foulée, on reconstitue les statues et les chapiteaux. Les murs et les voûtes sont réparés. Les contreforts et les arcs-boutants, dont certains avaient été touchés par des obus, sont consolidés et restaurés.  Couverture provisoire mise en place en 1920. [©Collection LRMH] Au tout début des années 1920, dans cette première période de restauration, Henri Deneux teste sur l’église Saint-Jacques de Reims, elle aussi très dégradée par les bombardements, un système de charpente, constitué de petits éléments en ciment armé et clavetés entre eux. Son idée est extrapolée d’une technique imaginée au XVIe siècle par l’architecte de la Renaissance, Philibert Delorme. Ce dernier avait mis au point une technique de charpente par petits éléments de bois normalisés et assemblés par des clavettes, également en bois. Henri Deneux conserve l’idée de ces dernières, mais remplace les éléments de bois par des pièces en ciment armé. Son procédé est décrit comme « un montage de planches en ciment, d’une section de 20 cm x 4 cm. D’un poids assez faible pour être manipulées par un ou deux ouvriers, sans aucun engin de levage. Et reliées entre elles par un système de mortaises ou d’entailles, de clefs en ciment et de clavettes en bois ». La mise en œuvre de ce procédé donne satisfaction sur l’église Saint-Jacques. Ce test positif encourage Henri Deneux à faire le grand saut. Et à envisager le même principe pour la nouvelle charpente de Notre-Dame de Reims. L’idée d’abandonner le bois est dictée d’une part, par la pénurie de bois nobles, de sections et de longueurs suffisantes. Et d’autre part, par les risques d’incendie d’une charpente en bois et les conséquences qui y sont liées. Il n’était pas non plus possible de réaliser une charpente en béton armé traditionnel. Les structures en pierre étant incompatibles avec les surcharges générées par un tel ouvrage. Deux ans de travaux Réalisation de la charpente en 1925. [©Collection LRMH] Détails d’assemblages au niveau de la nef. [©DR] La réalisation et la mise en œuvre de cette charpente innovante, préfabriquée en atelier, vont durer deux ans, de 1924 à 1926. Les compagnons recouvriront ensuite de plomb la toiture. Ils en profiteront pour rétablir sur la crête, les fleurs de lys qui avaient été supprimées à la Révolution. Le clocher à l’ange et le carillon sont reconstitués. La galerie haute de la nef est reconstruite conformément à l’origine, tout comme les vitraux. Tous ces travaux très coûteux n’auraient pas pu aboutir aussi rapidement sans un mécénat important, américain pour la plupart et particulièrement sans l’aide précieuse des familles Ford, Carnegie et Rockfeller. Henri Deneux, perçu à juste titre comme le sauveur de la cathédrale, est alors promu, pour l’ensemble de ses travaux, chevalier de la Légion d’honneur. Vues de la charpente sur clocher et nef. [©DR] La cathédrale est partiellement rendue au culte en 1927 et reconsacrée… en 1937. Ce sera le plus important chantier de restauration de l’entre-deux-guerres. Aujourd’hui encore, des campagnes de réfection très importantes s’achèvent, comme celle de la tour Nord. Et ce, afin de lui redonner tout son lustre. Ses reliefs et ses sculptures ayant été très endommagés par le funeste incendie du 19 septembre 1914.  Gérard Guérit

Restaurants animés, boutiques tendance, musées et galeries d’art… Bruxelles vibre au rythme du design et la création. Après un week-end passé dans la Capitale de l’Europe, la rédaction de Muuuz vous propose un tour d’horizon des adresses incontournables de la capitale belge, des grands espaces culturels aux lieux les plus festifs. Un restaurant : Café FloraLieu mythique installé sur le parvis de la Place Saint-Gilles, le Café Flora est la nouvelle adresse tendance de la capitale, qui avait déjà tapé dans l’œil de la rédaction . Le bistrot historique a en effet fait peau neuve grâce à la collaboration entre le décorateur et designer Lionel Jadot – à qui l’on doit la création des Ateliers Zaventem – et les Atelier J&J – un studio de conception et de fabrication de meubles design. Le tandem réhabilite l’ancien Aegidium avec brio. Le créateur belge choisit de conserver son style années 30 de la salle de spectacle en y apportant une touche contemporaine. Le décor, inspiré par l’univers des cafés milanais, mêle alors mobilier coloré et motifs pop. Idéal pour boire un verre autour de délicieuses tapas, le lieu retrouve aujourd’hui son faste d’antan. . Un espace culturel : BozarA deux pas du Mont des Arts, le Palais des Beaux-Arts, désormais baptisé BOZAR, est un espace culturel pluridisciplinaire à la programmation variée – concerts, expositions, spectacles et autres manifestations artistiques – installé dans le chef-d’œuvre Art nouveau signé Victor Horta. Cette année, à l’occasion du festival EUROPALIA, BOZAR célèbre l’œuvre de Constantin Brancusi. La rétrospective réunit pour la première fois à Bruxelles les œuvres maîtresses du sculpteur roumain – Le Baiser, Leda, Muse endormie – et les créations de ses contemporains, de Marcel Duchamp à Man Ray. Une exposition monographique passionnante qui nous entraîne dans la réflexion de Brancusi sur la sculpture, l’espace et la représentation. . . Un hôtel : Jam Hôtel Installé dans des anciens bureaux, le Jam n’est pas un hôtel classique. Mélanger les genres et les styles, voilà le parti pris de Lionel Jadot, qui signe la décoration de l’hôtel, et de l’agence Olivia Gustot Architectes, qui réalise la rénovation du bâtiment existant. Côté extérieur, la façade a été entièrement rénovée et les toitures ont été aménagées en espaces partagés comprenant une terrasse répartie sur deux niveaux et une piscine chauffée ouverte toute l’année. Entre l’auberge de jeunesse haut de gamme et l’hôtel branché, le Jam comprend 80 chambres, allant de 1 à 18 lits, qui ont toutes conservé la facture industrielle de l’édifice d'origine. La décoration d’intérieur du rez-de-chaussée et du rooftop confié à Lionel Jadot joue la carte de la démesure. Popular, le restaurant de l’hôtel, embarque sa clientèle en Italie à coups de pizzas napolitaines, de burratas crémeuses et de vins italiens. Au centre de la salle trône une installation lumineuse imaginée par le Studio Elémentaires. Le Jam propose ainsi une expérience aussi bien olfactive que gustative. . Une galerie : Eleven SteensJeune galerie ouverte au printemps 2019, Eleven Steens est un vaste espace culturel dédié à la création contemporaine internationale. Le curateur Jean-Marc Dimanche, en charge la direction artistique et du commissariat général du centre culturel, promeut la jeune création à travers une programmation pluridisciplinaire et transversale qui fait la part belle à l’art, au design, à la mode et à l’architecture. Inaugurée à l’occasion de la BRAFA, l’exposition spécial Art & Craft « MATIERE(S) / MANIFESTE » présente jusqu’au 15 mars le travail d’artistes contemporains qui travaillent notamment le bois, la céramique, le textile et le métal. Théâtre de la lumière, la galerie est répartie sur quatre niveaux, d’environ 400 mètres carrés chacun, ouverts sur la rue. Pour le premier accrochage de l’année, le centre guide notre déambulation en dédiant les trois premiers plateaux à l’exposition des créations en bois, céramique et textile. Le dernier étage quant à lui accueille le solo show du designer Johan Viladrich, qui crée des objets minimalistes à partir de matériaux industriels bruts tels que le métal et le polymère. Tapisseries, sculptures, meubles, ou même installation nous invitent ainsi à découvrir le design émergent. Ici, la galerie bruxelloise propose au public de prendre le temps de comprendre les possibilités artistiques de la matière. . Une boutique : Patterns Entre objets vintage et mobilier contemporain, la boutique Patterns mélange les époques et les styles. Ici, les créations de jeunes designers européens cotoyent des pièces classiques. Situé dans le haut de la ville entre la Place du Châtelain et le musée Victor Horta, le showroom s’installe dans un espace lumineux au décor raffiné qui devient l’écrin de la sélection de luminaires, d’assises, de tables et d’objets d’art chinés avec goût par Christian Giraudo. . Un centre culturel : Centre de la gravure et de l’image impriméeSituée à La Louvière, non loin de la capitale, le Centre de la gravure et de l’image imprimée organise des expositions temporaires qui mettent à l’honneur la diversité de la création moderne et contemporaine en dévoilant des clichés, des estampes, des gravures, ou encore des lithographies d’artistes émergents ou mondialement connus. Après deux rétrospectives dédiées à des artistes femmes, Louise Bourgeois et Françoise Pétrovitch, le Centre de la gravure et de l’image imprimée organise la première monographie belge dédiée à la plasticienne américaine Kiki Smith. Jusqu’au 23 février, plus de cent dessins, estampes, collages et sculptures révèlent les multiples facettes de son œuvre syncrétique. L’exposition « Kiki Smith, Entre chien et loup » présente en effet l’univers pluriel de l’artiste empreint de légendes ancestrales ou de contes merveilleux, ses femmes célestes et ses corps féminins, ses créatures hybrides et ses animaux fantastiques : une création marquée par un engagement féministe et social, un monde enchanté et une réflexion sur la mort. Kiki Smith appartient à cette génération d’artistes femmes pionnières et s’impose aujourd’hui comme une figure tutélaire de l’art féministe. . Un espace artistique : MAD Brussels Le MAD de Bruxelles est une école, un lieu où les gens partagent leurs réflexions, leurs connaissances et leurs pratiques de la mode et du design. Actuellement, ce hub créatif expose l’installation Triclinium réalisée par Caroline Wolewinski et Sandro Della. Comme son nom l'indique, la pièce est un voyage au cœur de l’été. Trois confortables banquettes vertes, sur lesquelles on peut s’asseoir ou s’allonger, des petites tables d'appoint, des murs d’un bleu Majorelle éclatant, des céramiques fantaisistes, ou même des plantes crée le décor de cette oasis fantasmée. Pour Triclinium, le duo a remporté le Prix Visual Merchandising à la Design Parade Toulon en 2019. Photographies : 1) © Johan Viladrich2) DR 3) Brancusi Constantin, Muse endormie, 1910 © Centre Pompidou, MNAM-CCI, © Sabam Belgium, 20194) © Jam Hôtel5) © Johan Viladrich6) © Patterns7) Kiki Smith, Puppet, 1993-1994, Coll-CGIi8) Caroline Wolewinski et Sandro Della Noce, Triclinium, 2019 © Alexandra Bertels Léa Pagnier

Depuis sa création en 2016, le studio d'architecture et de design Cutwork propose des solutions flexibles et fonctionnelles adaptées à la réalité de nos modes de vie contemporains. À l'occasion du lancement de leur projet social Cortex Shelter – un prototype d’abri durable pour les réfugiés –, la rédaction de Muuuz a rencontré les deux fondateurs de la start-up : l'architecte franco-japonais Antonin Yuji Maeno et l'entrepreneuse américaine Kelsea Crawford. Muuuz : Quelle est la genèse de Cutwork ? Antonin Yuji Maeno : Cutwork est né de la rencontre entre trois personnalités, un architecte, une entrepreneuse, Kelsea Crawford, et un investisseur, le designer graphique Robert Nakata. Avec Kelsea, nous avons fondé notre studio en 2016 autour d’une réflexion sur les nouvelles manières de vivre – la fin de la famille mononucléaire et la grande fragmentation des liens sociaux –, de travailler – la croissance exponentielle des travailleurs indépendants – et de produire – le début de l’économie collaborative, l’essor des technologies de pointe et la fabrication digitale –, car nous avons réalisé que le monde avait beaucoup évolué depuis trois décennies. Depuis 2016, on a réalisé des projets clés : une partie de la Station F, le mobilier des espaces de coliving Flatmates (ajouter le lien vers notre article) et l’abri pour les réfugiés Cortex Shelter. Tous ces projets s’appuient sur une analyse des nouveaux usages de la ville et de l’espace causés par l’arrivée des nouvelles technologies. Nous nous sommes spécialisés dans la conception et l’aménagement d’espaces de coworking et de coliving, car nous avons observé les changements profonds de notre société. Grâce à l’ordinateur portable, la fonction de la pièce n’est plus préétablie : on peut travailler partout, dans le salon, la salle à manger ou encore la chambre. La destination des pièces et des lieux n’est plus standardisée. L’enjeu de notre studio est donc de rendre les espaces plus souples. Kelsea Crawford : Aujourd’hui, nous souhaitons embaucher afin d’agrandir notre équipe de six architectes et designers pour faire face aux projets d’ampleur qui nous tombent dessus, notamment le premier coliving de Russie et la fondation de l’artiste Takesada Matsutani à Paris. Quels ont été vos parcours respectifs ? En quoi vos profils sont-ils complémentaires ? Antonin Yuji Maeno : J’ai d’abord étudié l’architecture à l’École Nationale Supérieure d'Architecture de Paris Belleville, puis celle de Paris La Villette. Ensuite, je suis partie un an en Inde pour travailler avec l’architecte Balkrishna Vithaldas Doshi, qui a reçu le prix Pritzker en 2018. A mon retour, j’ai suivi une formation d’entreprenariat dans les domaines de l’ingénierie, des matériaux et des techniques à l’École Nationale Supérieure d'Arts et Métiers pour développer mon procédé breveté de métal pliable. Ce produit a d’ailleurs été le point de départ de notre studio et lui a donné son nom. Kelsea Crawford : J’ai fait des études de communication et de journalisme à l’Université de Géorgie (Etats-Unis), mais mon parcours d’entrepreneur a commencé dès ma plus tendre enfance. Mon père m’a toujours poussée à entreprendre. A vingt ans, j’ai fondé ma première entreprise de marketing digital en Géorgie. Puis je l’ai vendue, avant de venir m’installer en France où j’ai rencontré Antonin. Pour Cutwork, je m’occupe surtout de la communication, du marketing, des budgets et du business plan, tandis qu’Antonin se charge de la partie créative. Il est aussi très doué pour l’entreprenariat et l’innovation, ce qui est rare. Avec votre mobilier modulable réalisé pour les appartements Flatmates, vous vous êtes référés à la conception japonaise de l’espace. Qu’en est-il de l’utilisation de ces notions architecturales nippones dans votre travail ?Antonin Yuji Maeno : Nous nous inspirons constamment de la conception japonaise de l’espace. Notre idée est de rendre les espaces plus flexibles, plus modulables, et donc plus proches de la manière dont nous vivons réellement dans les villes. Les Japonais sont les maîtres du design compact et des intérieurs modulables. Kelsea Crawford : En France, on utilise un mot pour désigner l’espace, alors qu’au Japon plusieurs termes le définissent. Les notions WA, BA et MA désignent l’espace et ce qui s’y passe. WA nomme l’harmonie, l’espace de concentration, BA signifie l’espace de collaboration, le lieu où il se passe quelque chose, et la notion MA est synonyme d’interstice, l’espace de liberté dans lequel l’inattendu peut se produire. La combinaison de ces trois notions nous permet de repenser et de réévaluer notre conception occidentale de l’espace. Cutwork est né de l’invention de votre procédé innovant de pliage de métal. Quel est son intérêt écologique ? Antonin Yuji Maeno : Notre procédé permet de fabriquer uniquement à la demande. Produire des éléments d’architecture et des pièces de mobilier à la demande est une réponse concrète au contexte de crise écologique actuelle, car ce mode de fabrication évite la délocalisation de la production, la surproduction et le stockage inutile de marchandises invendues. Kelsea Crawford : Cette technologie a l’avantage d’être très efficace. Les pièces métalliques sont produites grâce à des machines de découpe laser à partir de fichiers digitaux. Les pièces de mobilier peuvent donc être fabriquées à proximité du lieu où elles seront montées, puis installées. Le contexte politique et la crise écologique actuels influencent donc votre travail et vos projets. Quel avenir pour le design ? Dans quelle mesure peut-il être une réponse à ces problématiques-là ? Antonin Yuji Maeno : Les changements actuels justifient l’existence de Cutwork. Au niveau environnemental, nous sommes conscients de l’importance du choix des matériaux et des modes de production. C’est pourquoi, nous refusons la production de masse, ainsi que les projets qui ne préservent pas l’environnement et la dignité humaine. Cutwork a d’ailleurs été référencée par l'EIT Climate-KIC parmi les trente premières start-up CleanTech d'Europe.Kelsea Crawford : Notre approche est politique, car nous réfléchissons à la manière d’habiter la ville en tenant compte de la crise environnementale et des enjeux sociaux actuels. Notre conception du design et de l’architecture lutte contre la précarité et l’isolement. La promesse de notre coliving réside dans l’aménagement d’espaces partagés modulables. Avec Cortex Shelter, vous vous tournez vers une architecture sociale. Pourquoi ce projet ? Est-ce également une façon de parler d’un sujet politique extrêmement actuel à travers un dispositif concret ? Antonin Yuji Maeno : Nous avons travaillé avec la société Cortex Composites, qui a inventé et développé le béton roulé, un béton textile mobile sur lequel il suffit d'ajouter de l'eau pour fabriquer des canaux d’irrigation agricole et des murs de rétention durables. Kelsea a rencontré son dirigeant à une conférence Hello Tomorrow qui réunit les acteurs de l’innovation. Suite à cet événement, Cortex Composites nous a missionné pour réfléchir à des applications architecturales de son produit. De cette collaboration est née cette idée de logements abordables, à la fois faciles à fabriquer et durables. Constitué d’une structure de tubes en métal pliables et de pans de ciment, Cortex Shelter est une solution d’habitat pour les réfugiés installés dans des camps. Kelsea Crawford : L’abri Cortex Shelter peut être construit par deux personnes en moins d’une journée. Conçu pour être assemblé facilement à la main avec des matériaux trouvés sur place, la construction du logement ne nécessite aucune compétence technique et aucun équipement. Cortex Shelter permet d’améliorer les conditions de vie des réfugiés, en leur offrant une certaine stabilité et une plus grande sécurité. L’intérêt de ce nouvel abri est de prendre en compte la réalité concrète des camps de réfugiés, car les solutions actuelles destinées à abriter des réfugiés comme les tentes n’offrent pas des conditions de vie décentes. Aujourd’hui, les camps ne sont plus des espaces transitoires, mais sont bâtis comme des villes. Certains réfugiés vivent plusieurs décennies dans le même camp. Si vous aviez un budget illimité et zéro contrainte, quel serait votre projet rêvé ? Antonin Yuji Maeno : Notre projet rêvé pourrait être la conquête de l’espace… Réaliser le premier coliving du futur sur une autre planète, la Lune ou Mars. J’aimerais aussi concevoir une petite cabine préfabriquée à installer sur les toits des immeubles déjà existants. Kelsea Crawford : Nous aimerions également travailler sur des projets urbains de grande ampleur qui ont un véritable impact social sur le long terme. La réalisation d’un coliving intergénérationnel, où cohabiteraient des jeunes et des seniors, serait une belle avancée sociale. Pour en savoir plus, visitez le site de Cutwork Photographies : © Ladegaine Léa Pagnier

Comme chaque année, Design Miami révèle les dernières tendances du design. Pour sa quinzième édition, la foire – qui se tient jusqu’au 8 décembre en Floride – accueille plus de trente galeries venues du monde entier pour exposer des pièces d’exception. Zoom sur cinq nouveautés. Le salon Design Miami réunit annuellement collectionneurs, créateurs, galeristes, conservateurs et critiques internationaux pour célébrer le design d’hier et d’aujourd’hui, des pièces iconiques aux dernières nouveautés, en passant par des collaborations inédites. Design Miami s’impose non seulement comme un salon haut de gamme destiné aux professionnels, mais initie également des visiteurs amateurs au design contemporain. Revue des cinq créations les plus surprenantes de l’édition 2019. Daniel Arsham, Paris Chaise Lounge I, 2019La galerie new-yorkaise Friedman Benda présente une installation immersive, réalisée par Daniel Arsham, qui nous plonge dans un univers domestique imaginaire. Le plasticien américain a imaginé une collection de meubles originale inspirée par sa maison de Long Island signée Norman Jaffe. Son assise composite Paris Chaise Lounge I fait particulièrement sensation, car elle dévoile un vocabulaire artistique qu’on ne lui connaissait pas. . Harry Nuriev x Balenciaga, The Balenciaga Sofa, 2019 À l’occasion de la foire, l’architecte et designer Harry Nuriev crée pour Balenciaga un canapé écoresponsable haut en couleur intégralement réalisé à partir d’anciens vêtements et chutes de la marque. Une manière pour le tandem de promouvoir le respect de l’environnement dans l’industrie de la mode et du design. . Virgil Abloh, Aqua Alta Set, 2018Après un passage remarqué à la Biennale de Venise, Virgile Abloh expose à Design Miami sa ligne de mobilier Aqua Alta Set. Les meubles de la série – des bancs, des chaises et des luminaires – en bronze poli sont légèrement inclinés comme s’ils coulaient dans les eaux de la lagune vénitienne. Une collection poétique qui s’inscrit parfaitement dans la thématique de la foire choisie par le commissaire Aric Chen, Elements : Water. . Andrew Kudless x Louis Vuitton, Swell wave shelf, 2019Louis Vuitton présente sa collection de mobilier Objets Nomades constituée de pièces imaginées depuis 2012 par des créateurs célèbres tels que Damien Langlois-Meurinne, Patricia Urquiola ou Marcel Wanders. La dernière acquisition de la maison de mode est un meuble en bois de chêne clair et sangles de cuir rouge vif qui n’est autre que l’étagère Swell wave shelf dessinée par l’architecte et designer américain Andrew Kudless pour la marque française. . Léa Mestres, Bubble armchair, 2019Dans le cadre de sa participation à la foire, la galerie parisienne SCENE OUVERTE dévoile la dernière pièce de la jeune designer française Léa Mestres : une chaise bleue aux courbes naïves. Cette assise aux allures de gros bonbon acidulé prendra place aux côtés de la sculpture Coral Light de Willima Coggin sur le stand de la galerie. Pour en savoir plus, visitez le site du salon Design Miami Photographies : 1) courtesy Friedman Benda et Daniel Arsham / Photographie par Daniel Kukla2) courtesy Harry Nuriev and Balenciaga 3) courtesy Carpenters Workshop Gallery4) courtesy Louis Vuitton5) courtesy Galerie SCENE OUVERTE Léa Pagnier

Alexander Calder est célébré dans une exposition monographique d'ampleur organisée par le Centro Botín de Santander (Espagne) en étroite collaboration avec la Fondation Calder (New York). Dans le lumineux bâtiment signé Renzo Piano se déploie une scénographie originale également imaginée par l'architecte italien, révélant la face cachée de ce génie de la peinture et de la sculpture moderne américaine. Inauguré en juin 2017, le Centro Botín est un jeune centre d'art installé dans un édifice contemporain de 8.739 mètres carrés. Le bâtiment s'articule en deux volumes reliés et posés sur des piliers et des colonnes. Ainsi surélevée, l'institution domine la baie et permet aux visiteurs d'apprécier un magnifique panorama. Baignés de lumière naturelle, les espaces d'exposition mettent en valeur les différents accrochages. L'exposition temporaire « Calder Stories », dont le commissariat a été confié au critique d'art zurichois Hans Ulrich Obrist, nous invite à découvrir jusqu'au 3 novembre les secrets de l'œuvre de Calder. A cette occasion, le musée espagnol a réuni près de 80 œuvres tirés des fonds de grandes collections internationales et de la Fondation. S'il est d'abord connu pour ses sculptures suspendues, les « mobiles », et ses installations monumentales, les « stabiles », Calder a aussi travaillé à des projets plus confidentiels, qui n'ont pas toujours été menés à terme. « Depuis 1990, je collecte des informations sur un type inhabituel d'art, les projets non réalisés. Ces voies qui n'ont pas été empruntées constituent un réservoir d'idées artistiques : des projets relégués aux oubliettes, directement ou indirectement censurés, incompris, rejetés par les autorités, perdus ou non réalisables. », explique le commissaire. Des projets inaboutis, des propositions avortées pour des commandes publiques, des créations chorégraphiques et scéniques non-réalisées, des maquettes, des croquis, sont autant d'objets inédits présentés dans cet accrochage passionnant. Avec ce parti pris original, Hans Ulrich Obrist met l'accent sur les coulisses d'une œuvre d'envergure et fait de « Calder Stories » une véritable exposition-événement. A ne pas manquer ! Photographies : 2019 Calder Foundation, New York / VEGAP, Santander Pour en savoir plus, visitez le site du Centro Botín

Christie's va organiser au cours des prochains mois la vente à New York, Los Angeles, Hong Kong et Paris de la prestigieuse collection d’œuvres d'art de l'architecte Ieoh Ming Pei et de sa femme Eileen Loo, a annoncé mardi la maison de ventes américaine.

Le groupe Eklo Hôtels mise sur le vert et continue de tisser sa toile sur le territoire français avec son tout nouvel établissement posé sur la rive droite de Bordeaux, tout juste sacré cinquième hôtel vertueux de l'hexagone. Le bureau d'architectes Patriarche réveille la belle endormie en dévoilant Eklo Bordeaux, un hôtel entièrement écoresponsable. Petit frère des trois premiers complexes de l'hôtelier nouvelle génération – lancé par Emmanuel Petit en 2014 –, il remporte déjà tous les honneurs en devenant le 5e hôtel le plus écolo de France selon Betterfly Tourism. Derrière sa façade bleue bardée de lames de bois recyclables - issues de forêts gérées durablement - se cache une ossature de 2 450 mètres carrés abritant 127 chambres investies par le studio Janréji. De la chambre double à la chambre familiale en passant par les chambres dortoirs pour six personnes, chaque espace est optimisé au maximum afin de consommer le moins d'énergie possible. Dans les salles de bains, pas de produits jetables mis à disposition des clients mais des récipients rechargeables pour limiter la production de déchets. Les lavabos et les douches sont également équipés d'aérateurs afin de réduire la consommation d'eau tandis que côté électricité, des économiseurs d'énergie sont installés dans chaque pièce alimentée par géothermie ainqi que par les panneaux photovoltaïques installés sur le toit en ardoise de la bâtisse. Aux fourneaux, les plats sont concoctés par des têtes toquées à partir de produits issus de circuits courts. Les bières sont brassées à Mérignac, les jus de fruit proviennent du quartier des Chartrons à deux pas du centre-ville où le café est travaillé par des artisants torréfacteurs. Et parce que rien ne se perd, rien ne se créé, tout se transforme, un potager urbain est sorti de terre afin d'alimenter le restaurant en produits frais et de saison dont les pelures finissent non pas à la poubelle, mais au compost. « Nous apportons une nouvelle offre qui peut concurrencer Airb'n'b mais qui apporte aussi un renouveau dans l'hôtellerie économique traditionnelle » Emmanuel Petit, fondateur d'Eklo Hôtels A la frontière entre les codes de l'hôtellerie classique et ceux de l'auberge de jeunesse, ici la vie en communauté est au cœur du projet. Dans les espaces partagés de 200 mètres carrés, ouvrant ses portes également aux habitants de la ville, les fauteuils clubs se mêlent aux chaises et tables dépareillées aux côtés de baby-foot et de jeux d'arcade. Petit plus, la cuisine à l'américaine ouverte sur l'espace détente permettant aux hôtes de mettre la main à la patte s'ils le désirent. Voilà une bonne adresse pour des vacances écoresponsables ! Pour en savoir plus, visitez le site de Patriarche  Photographies : Studio Janréji  

Un projet de cathédrale éphémère devant Notre-Dame, utilisant notamment le bois brûlé comme symbole de résistance, a été présenté par un cabinet d'architectes américain afin de permettre aux croyants de se rassembler pendant les quelques années de sa restauration, ont annoncé à l'AFP ses concepteurs.

Le permis de construire de la Tour Occitanie, un gratte-ciel végétalisé de plus de 150 mètres de haut dessiné par l'architecte américain Daniel Libeskind, a été signé par la mairie de Toulouse qui veut en faire la "signature architecturale" de la Ville rose, a-t-on appris mercredi auprès de la municipalité.

Retour vers le futur avec l'installation TWENTYTHIRTYFIVE du créateur prolifique Virgil Abloh pour laquelle il réinterprète des pièces iconiques du français Jean Prouvé et des frères Eames à partir des archives de l'éditeur suisse Vitra. Une nouvelle page s'ouvre dans l'épopée de Virgil. Le directeur artistique des collections homme de Louis Vuitton et de sa propre marque Off-White sort à nouveau brièvement des podiums pour rejoindre la scène design. Après une série de mobilier et d'accessoires pour Ikea, il signe TWENTYTHIRTYFIVE en collaboration avec Vitra à l'occasion de Art Basel. C'est dans la caserne de pompiers créée par l'architecte Zaha Hadid sur le Vitra Campus en Allemagne — transformée en véritable capsule temporelle le temps de l'installation — que l'américain touche-à-tout a imaginé l'intérieur d'un jeune d'aujourd'hui en 2035. Pour se faire, Virgil Abloh s'est replongé dans les archives des best-sellers de l'éditeur afin de les réinterpréter et d'inspirer les nouvelles générations. Fasciné par le travail de Jean prouvé, il repense le fauteuil Anthony à partir d'une assise en plexiglas reposant sur un piètement en métal laqué paré d'orange vif. Tout comme la lampe Petite Potence qu'il réinterprète dans un style néo-industriel. Parmi les créations phares exposées on retrouve également le tabouret B de Charles et Ray Eames et la Ball chair imaginée par Eero Aarnio. Dans ce décor à la frontière entre le passé et le futur s'expose également une étagère modulaire composées de blocs en céramique numérotés de 1 à 999. Une collection disponible en édition limitée et à découvrir jusqu'au 31 juillet 2019. Pour en savoir plus, visitez le site de VITRA  Photographies : JULIEN LANOO

« Le Saviez Vous », les plans larges du Grand Budapest Hotel de Wes Anderson (2014) présentent en réalité des miniatures de 3 mètres de haut ? Une prouesse dans l'univers de la maquette que l'architecte et artiste américain James Casebere n'a pas attendu de voir arriver pour, lui aussi, créer des univers (presque) habitables fantasques et colorés conjuguant modèles réduits et travail photographique. Basé à New York (USA), la pratique du plasticien James Casebere, aujourd'hui âgé de 66 ans, se situe au croisement de bien des disciplines, de l'architecture à la photographie en passant par la sculpture et l'histoire de l'art. Exerçant depuis déjà plus de 40 ans, l'artiste explore différents champs, créant de petits univers singuliers à chacun de ses cycles de création.Son travail figure d'ailleurs dans les plus grandes institutions internationales : le MoMA, le Guggenheim, le Whtiney Museum ou encore la Tate Gallery, toutes s'arrachent les réalisations intemporelles et étonnantes de James Casebere. Le dernier projet en date ? Une série qui rend hommage à l'architecture moderne et aux nuances éclatantes des travaux de l'architecte mexicain Luis Barrágan. Divers formats qui répondent tous au même point commun : la présence de l'eau sur laquelle les ouvrages miniatures colorés de Casebere semblent flotter, se reflétant dans l'onde avec grâce. On y retrouve également les lignes marquées et dramatiques et la géométrie si particulière qui caractérisent les ouvrages de Barrágan. « Mes premiers travaux posaient simplement un objet au centre de l'image. Mais, quelques temps après, j'ai décidé de supprimer l'objet dans l'espoir que le spectateur y prenne place, y trouve ses marques. En fin de compte, j'ai réalisé que ce qui importait était l'espace, la lumière, la couleur et la texture. » confie d'ailleurs l'artiste. C'est vrai que nous, on s'y voit bien dans ses petites maisons, entouré de la mer. Pour en savoir plus, visitez le site de James Casebere Photographies : James Casebere

La France et le Louvre ont salué l'architecte sino-américain Ieoh Ming Pei, auteur de la pyramide du Louvre, en soulignant sa capacité à être moderne et novateur dans le respect des structures classiques.

Les Jeux Olympiques de 2024 auront lieu à Paris. Un appel d’offre international avait été lancé en 2018, pour que les aménagements sur le site de la tour Eiffel aient lieu avant cet événement mondial. En effet le passage du Trocadéro à la tour Eiffel sera presque entièrement piétonnisé et végétalisé. Seuls les transports en commun et les transports doux auront aussi le droit d’y accéder. C’est le projet nommé « One », de l’architecte américaine Kathryn Gustafson, qui a été retenu par la commission d’appel d’offre international. Les travaux débuteront fin 2020 ou début 2021 et se termineront en 2023. Une fois les Jeux Olympiques terminés, les travaux reprendront, entre la place Jacques-Rueff et l’École militaire, pour qu’en 2030 tous les travaux soient fini. Cet aménagement ne fera pas moins de 54 hectares pour 72 millions d’euros. Le but étant que les 20 millions de personnes par an qui disent visiter la tour Eiffel, puissent retrouver un environnement calme et naturel en plein cœur de paris.

L'architecte sino-américain Ieoh Ming Pei, concepteur de nombreux édifices marquants, de la pyramide du Louvre à la Banque de Chine à Hong Kong, est mort à 102 ans, a-t-on confirmé jeudi auprès du cabinet d'architectes new-yorkais de ses fils, Pei Partnership Architects.

Ieoh Ming Pei a signé la Pyramide du Louvre. [©ACPresse] Agé de 102 ans, l’architecte sino-américain Ieoh Ming Pei nous a quittés ce jeudi 16 mai. Il laisse partout dans le monde, de l’Asie au continent américain en passant par l’Europe, des réalisations, témoins de sa vision architecturale. Avec un dessin qui s’inscrit dans une modernité certaine, tout en flirtant avec le classicisme pour toujours rappeler les racines d’un projet et de son environnement. Né à Canton, en Chine, en 1917, il part en 1935 aux Etats-Unis où il obtient un diplôme du MIT et de design à l’Université d’Harvard. Là, il fait partie de l’atelier de Walter Gropius, fondateur du Bauhaus. Professeur assistant à Harvard, directeur d’architecture dans le cabinet Webb & Knapp, il enchaîne les missions avant de créer sa propre agence, I.M. Pei et associés, en 1955. Les projets se succèdent, tout d’abord aux Etats-Unis, puis partout dans le monde. [©ACPresse] L’architecte sera de nombreuses fois distingué pour son travail, notamment par un prix Pritzker en 1979, la médaille d’or de l’Institut américain d’architecture et en 1981, la Grande médaille d’or de l’Académie française d’architecture. Ieoh Ming Pei a notamment réalisé, la bibliothèque J.F Kennedy, à Boston (1982), la Banque de Chine, à Hong Kong (1989), ou encore l’annexe du musée historique allemand (2003) ou le musée d’art islamique à Doha (2008). Il y a des réalisations qui divisent les raisons. Ainsi, lorsque Ieoh Ming Pei propose une pyramide de verre à François Mitterrand pour repenser le Grand Louvre, les Français se passionnent, entre effroi et émerveillement… Plus d’une trentaine d’années après, qui imaginerait le Louvre sans sa Pyramide, majestueuse, et ses hordes de touristes, qui posent fièrement le doigt en l’air pour (presque) en toucher sa pointe. Qui pourrait rentrer sous la place du Carrousel, sans apprécier cette pyramide inversée de 180 t… Ces anecdotes de vie, cet étonnement lorsqu’on découvre le site pour la première fois et cet enthousiasme quand nous, Parisien, lui rendons visite, comme à une vieille amie, resteront dans la prospérité. Merci pour ces émotions M. Pei. L’article Le père de la Pyramide du Louvre, Ieoh Ming Pei est mort est apparu en premier sur ACPresse.

DISPARITION. L'architecte sino-américain Ieoh Ming Pei est décédé ce jeudi 16 mai 2019 à New York à l'âge de 102 ans. Concepteur de la fameuse pyramide en verre du Palais du Louvre, l'homme a également signé de nombreuses réalisations de par le monde et a notamment reçu le prix Pritzker. Portrait.

L’architecte américain, né en Chine en 1917 est décédé le 16 mai à l’âge de 102 ans. Aussi attentif au respect de l’esprit des lieux qu’il était pragmatique, Ieoh Ming Pei s’était fait reconnaître pour ses constructions aux géométries simples et puissantes. En France, l’architecte a surtout été l’auteur du projet du Grand Louvre et de sa pyramide qui, pour beaucoup, restera « la pyramide de Pei ».

Déjà cinq ans que la marque de mobilier suédoise IKEA s'associe à des artistes contemporains pour imprégner ses collections de l'âme des créateurs. Considérée comme une façon de démocratiser l'art contemporain, la collection permet à huit créateurs de s'offrir une place dans tous les intérieurs. Entre avant-garde et pop culture, voilà un beau clin d'œil fait aux amateurs d'art contemporain. Un tapis est un véritable investissement financier et esthétique. Plus qu'un objet fonctionnel, il offre, sous la bienveillance des maisons d'éditions, une valeur ajoutée aux intérieurs, leur conférant allure et confort. La firme IKEA a décidé de faire de ces objets traditionnels de décoration un terrain d'exploration artistique menée par huit plasticiens internationaux. Une affaire d'arts !Avec Art Event 2018, la collection en édition limitée offre une chance à tous les budgets de s'approprier des objets symboliques qui donneront un caractère affirmé aux murs et planchers. « Que vous les piétiniez ou les accrochiez à un mur, ces tapis deviendront des points d'exclamation dans la maison ! » Henrik Most, Directeur de création IKEA Virgil Abloh, architecte de formation, designer New-Yorkais, revisite les tapis persans à travers 5 modèles quand le duo étasunien Chiaozza revisite les scènes printanières des déserts américains qui ont bercé leur enfance. Craig Green, designer de mode londonien, propose une esthétique issue de la culture populaire et de l'univers manga, tandis que Misaki Kawai, originaire du Japon, s'inspire des animaux dans sa création loufoque. Les tapis difformes ont aussi toute leur place dans cette collection : Noah Lyon, avec sa création illustrée en noir et blanc, et Supakitch, un artiste français rompu de l'univers du tatouage. Enfin, Seulgi Lee (Corée) et Filip Pagowski (Pologne) privilégient quant à eux des formes minimalistes mais tout aussi marquées. Un tour du monde en édition limitée. Pour en savoir plus, visitez le site de IKEA Photographies : DR

L'architecte américain originaire de Dublin, Kevin Roche, est mort le 1er mars dernier à l'âge de 96 ans à son domicile de Guilford, dans le Connecticut. Élève de Ludwig Mies van der Rohe à l'Illinois Institute of Technology de Chicago, il commence à travailler à partir de 1950 avec celui qui sera son mentor, l'architecte finlandais Eero Saarinen,  jusqu'à la mort de ce dernier, en 1961. Il reprend alors la direction de l'agence en association avec John Dinkeloo. Avec ce nouveau...

L'architecte vedette américain Richard Meier va quitter la direction de son cabinet, a annoncé mardi la société, quelques mois après avoir été accusé de harcèlement sexuel par plusieurs femmes.

DISPARITION. L'architecte et théoricien américain, Robert Venturi, est décédé ce mardi 18 septembre à Philadelphie (États-Unis), de la maladie d'Alzheimer. Prix Pritzker en 1991, il a fait partie du courant postmoderne qui s'est opposé aux principes de Le Corbusier et Mies Van der Rohe.

Will Alsop s'est éteint samedi 12 mai 2018 à l'âge de 70 ans. L'architecte anglais s'était fait remarquer, tout au long de sa carrière, par des "uvres originales aussi bien que controversées. En 2000, il recevait la plus prestigieuse distinction américaine en matière d'architecture, le Stirling Prize, pour sa réalisation de la bibliothèque de Peckham, dans le sud-est de Londres. Portrait d'un personnage à part dans l'univers architectural contemporain : the maverick. ...

Pour réaliser son nouveau stade de 40 000 places en un temps record, le FC Nantes, associé au promoteur immobilier Réalités, a retenu une des plus grandes agences d'architecture au monde, l'américain HKS, qui sera associé au cabinet parisien Atelier Tom Sheehan et partenaires (ATSP).