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Spécialisée dans la production de revêtements muraux, de tissus d'ameublement et de rideaux, l'entreprise hollandaise Vescom présente ici une collection de voilages acoustiques transparents permettant d'absorber jusqu'à cinq fois plus de son que des rideaux fins ordinaires. Déclinée en trois modèles différents, cette série permet à chacun d'isoler les nuisances sonores tout en choisissant l'esthétique qui lui sied le mieux. Les trois applications sont légères et s'adaptent à tout type de lieu " salle de réunion, hall d'hôtel, bureau, etc. En effet, avec cette solution, il est désormais possible de se protéger du bruit sans avoir à utiliser des tissus lourds : ceux imaginés par les concepteurs néerlandais sont légers, translucides, et ignifugés et permettent à chacun de profiter d'une lumière filtrée tout en se préservant des sons dérangeants provenant de l'extérieur. Formoza, le premier modèle à l'allure sportive est disponible en couleurs vives telles que l'orange, le bleu ou le vert. Un second, Marmara, est un textile plus doux dans des tons automnaux et naturels. Carmen, le dernier de la gamme, est réalisé dans un tissu nervuré légèrement brillant et est disponible dans des tons sombres, pour un rendu minimaliste et contemporain. Pour en savoir plus, visitez le site des Voilages acoustiques. À propos de VescomAlliant esthétique et technique, Vescom propose des textiles d'intérieur qualitatifs et fonctionnels. Inaltérables, durables, résistants à l'abrasion et au feu, les produits sont également réalisés afin de minimiser l'impact sur l'environnement. Avec sa recherche permanente d'innovation, la société fait aujourd'hui partie des leadeurs mondiaux sur le marché de l'intérieur destiné aux collectivités. L'entreprise fondée en 1977 est présente aussi bien en Europe, où se trouve son siège " à Deurne (Pays Bas) ", qu'au Moyen-Orient, en Amérique Latine et aux États-Unis. Les Voilages acoustiques sont lauréats des MIAW 2017 dans la catégorie Aménagement / Textile.Pour en savoir plus, visitez le site de Vescom. Le choix de la rédactionLes voilages proposent une amélioration de la vie quotidienne tout en se déclinant dans des allures différentes pouvant convenir à chaque intérieur, coloré ou épuré. La solution acoustique proposée par Vescom fait office de réelle nouveauté dans le monde du textile d'ameublement, méritant ainsi le titre de lauréat des Muuuz International Awards 2017 dans la catégorie Aménagement / Textile Aménagement.

Depuis plus de 50 ans la marque italienne Pedrali fait figure de référence dans le domaine du design. Un positionnement que la marque confirme avec l'élégante chaise Fox dessinée par le designer Patrick Norguet. Après avoir dessiné les chaises VIC et VIC Metal pour Pedrali, le designer français Patrick Norguet, dont le talent n'est plus à prouver, réalise pour le compte de la marque italienne l'assise Fox, présentée cette année à l'occasion du Salone del Mobile de Milan. " C'est un projet sur lequel on a beaucoup travaillé. Le résultat de ce projet, c'est une chaise innovante, nouvelle, singulière, élégante et généreuse. C'est la résultat d'une mixité de différents matériaux : on a travaillé sur le bois, le bois massif et le plastique... et voilà ! On présente cette chaise qui est pour moi un archétype de simplicité. " Patrick Norguet, designer Destinée à l'aménagement intérieur, Fox se compose d'une coque mince ajourée en polypropylène renforcé de fibres de verre, logée dans un profil en bois courbé et arrondi aux extrémités, comme pour recevoir et englober l'hôte dans la chaleur du bois. Fox est disponible en cinq finitions de coque en polypropylène " sablé, marsala, bleu, blanc et noir ", et deux pour les pieds " tube acier chromé ou sablé, de section 14 millimètres pour la version Fox 3726 ; ou frêne blanchi ou teinté noir de section variable pour Fox 3716. Avec toutes ces finitions, le modèle offre un éventail de possibilités graphiques et saura donc s'adapter à tous les aménagements.Outre le confort permis par l'alliance du plastique et du bois, l'un utilisé pour sa solidité, l'autre pour sa finesse et sa résistance, Fox (dim. 605 x 535 x 790 centimètres), est par ailleurs empilable, réduisant ainsi l'encombrement.La polyvalence et la fonctionnalité sont garanties par les multiples combinaisons de couleurs entre le bois et la coque confortable, combinées avec les pieds en frêne à section variable. Pour en savoir plus, visitez le site de Fox. À propos de PedraliPedrali ou " L'essence italienne " : au-delà du slogan, cette formule représente de manière très juste une marque italienne familiale implantée à Bergame et Udine. Des valeurs qui se retrouvent dans les produits d'ameublement qu'elle propose depuis 1963 aux collectivités, lieux publics, bureaux et logement individuel. Chaque collection est le résultat d'une recherche rigoureuse et attentive de la matérialité " plastique, métal, bois et rembourré " et du dessin parfaits, afin de proposer à ses client des produits variés mais surtout innovants. Design et audace sont leurs maîtres mots. Cela n'a pas échappé aux experts du domaine qui ont remis de nombreux prix à la marque, notamment le prestigieux Compasso d'Oro pour la chaise Frida dessinée par Odo Fioravanti. Assises, tables, compléments d'ameublement et luminaires sont entièrement développés en Italie à travers un processus qui lie tradition et innovation, excellence technique et génie créatif. L'expérimentation de technologies de production, l'utilisation de matériels diversifiés et la collaboration avec de nombreux designers.Plus de 50ans de création, qui ont permis à ses produits d'intégrer des lieux prestigieux comme le Google Campus à Dublin (Irlande), le restaurant 3 étoiles Michelin Alain Ducasse de l'hôtel Dorchester à Londres (Royaume-Uni) et ou encore, la boutique haut de gamme Van Cleef & Arpels sur la Cinquième Avenue de New York (USA) et la bibliothèque Kanazawa Umimirai Library au Japon. Pedrali a en outre à c"ur la production de gammes durables, tant du point de vue du processus de fabrication que de la résistance, empêchant ainsi d'avoir à remplacer prématurément un produit. Au cours du processus de production, une attention particulière est également accordée aux matériaux employés, à la limitation de la consommation de matières premières et des ressources naturelles, le recyclage et le contrôle des émissions de CO2. Tous les produits sont ainsi conçus pour pouvoir être désassemblés aisément et profiter d'une seconde vie es produits qui emploient des polymères sont marqués ISO 11469 de sorte à être facilement identifiables lors du recyclage. En parallèle, le certificat FSC® C114358 pour la Chaîne de Traçabilité garantie la provenance du bois uniquement des forêts gérées de façon responsable et durable selon des normes environnementales, sociales et économiques strictes. Fox est lauréat des MIAW 2017 dans la catégorie Mobilier / ChaisePour en savoir plus, visitez le site de Pedrali. Le choix de la rédactionSon design épuré et les multiples combinaisons de matériaux et de couleurs que le modèle offre à ses utilisateurs, font de lui une réalisation exemplaire. Le Muuuz International Award reçu par Fox, et plus largement par la marque Pedrali, dans la catégorie Mobilier / Chaise, confirme l'engagement de l'entreprise dans la conception de pièces de mobilier durable, de qualité, qui n'en n'oublient pas le design.  

Il ne vous reste plus que quelques jours pour visiter l'exposition " Mégastructures, Dimensionner l'avenir, les figures de la démesure " présentée au Lieu Unique à Nantes (44). Un événement organisé à l'occasion des 40 ans du Centre Pompidou, dont le bâtiment est lui-même une mégastructure. Retour sur une architecture et une philosophie qui ont marqué les années 1960. Dans Megastructure : urban futures of the recent past (1976) l'auteur et critique Reyner Banham définit le terme de mégastructure : " De grande taille, la Mégastructure était construite d'unités modulaires ; elles étaient capables d'extensions grandes, voir illimitées ; un réseau structurel à l'intérieur duquel de plus petites unités structurelles (par exemple des pièces, des maisons, ou de petits bâtiments, entre autres) peuvent être construites - ou même "pluggées" ou "clippées" après avoir été préfabriquées ailleurs ; une trame structurelle prévue pour atteindre une durée de vie bien plus longue que les petits éléments qu'elle peut supporter ".   On assiste ici à une immersion au c"ur de ces objets, fruits des fantasmes architecturaux d'une époque, mis en valeur par la scénographie aérienne de Laurence Fontaine et Antoine Lichtenberg. Les commissaires de l'exposition, Aurélien Lemonier (directeur du Musée national de l'histoire de l'immigration) et de Gwenaël Delhumeau (enseignant-chercheur, Ensa Versailles), proposent ainsi aux visiteurs de découvrir ce courant de pensée par le biais de de dessins et de maquettes répartis en six grandes thématiques.   Le projet central Standardiser à l'infini de Konrad Wachsmann, disposé au coeur de l'espace de présentation, est une installation produite spécialement pour l'occasion et réalisée par des étudiants de l'École nationale supérieure d'architecture de Versailles. Cette structure tridimensionnelle suspendue est le fruit des recherches de l'architecte allemand Konrad Wachsmann qui a travaillé dès les années 1950 sur le développement d'un procédé structurel universel en trois dimensions, dont les éléments seraient liés par un connecteur.   Cinq autres zones organisées autour de ce projet complètent le propos : " Jeu d'espaces ", " Action : le réel et son double ", " Vision et prévisions ", "Processus techniques et métaphores technologiques " et " Les récitants : mythes et liturgie d'un mode moderne ".   Le visiteur est alors amené à questionner trois thématiques : les limites d'un monde infini instaurées par ces projets mégastructurels, leurs effets sur l'architecture et la société, ou encore le rapport au temps. Afin d'articuler ces sujets de réflexion, trois pistes de réflexion complémentaires sont proposées. La première se penche sur l'approche technique des mégastructures, aussi connues sous le nom de space frame, " n"ud d'articulation " de structures tridimensionnelles. La seconde aborde leur médiatisation et leur diffusion par des critiques ; et la dernière rend hommage au Centre Pompidou qui constitue une des rares mégastructures à avoir été construite.   Les projets d'architecture présentés, par leur variété, tant par la fascination ou l'angoisse qu'ils exercent, que par l'excitation ou la déception qu'ils inspirent, suggèrent tous un état de crise de l'habitat, qui s'applique finalement encore aujourd'hui.   " Mégastructures ", jusqu'au 21 mai 2017, Le Lieu Unique, Nantes (44)   Illustrations : 1) Paul Maymont , Etude extension de Paris 2) Yona Friedman , Paris spatial 3) Yona Friedman , Etude de la ville spatiale  Photographies  : Martin Argyroglo   Pour en savoir plus, visitez le site du Lieu Unique 

À Singapour, les architectes locaux du MOD (Ministry Of Design) conçoivent, pour la firme robotique RACE, un espace dédié à la recherche des ingénieurs spécialisés dans les nouvelles technologies d'automatisation. Quoi de mieux alors que de leur proposer un espace futuriste afin de les inspirer ? Le visiteur pénètre dans ce lieu de 243 mètres carrés par un ascenseur situé dans un sas obscur où la seule source de lumière provient de néons reprenant le nom de la firme et de l'arrangement géométrique de lignes blanches l'encadrant " le MOD a créé l'identité graphique globale de l'entreprise. Une porte surdimensionnée s'ouvre ensuite sur le laboratoire lui-même, également noir mais revêtu d'une seconde-peau tridimensionnelle. Cet ornement mural est fabriqué à partir de tubes en aluminium de tailles variées et dont certains sont agrémentés de bandes leds. Leur placement semble aléatoire : l'horizontalité est en confrontation directe avec la verticalité pour un rendu graphique et très contemporain. En plus du rendu esthétique, ce revêtement a comme avantage de cacher tous les câbles nécessaires au bon fonctionnement du laboratoire de robotique, tout en restant accessibles grâce à des trappes, et de créer des espaces de travail pour de petits groupes. " MOD a également recherché à créer une expérience spatiale séduisante et futuriste dénotant l'idée d'automatisation industrielle et de la précision. " Ministry Of Design Avec ce lieu atypique, les équipes du cabinet de Singapour ont réalisé un lieu hors du temps et de l'espace, propice à l'évolution et à l'innovation en matière de robotique. Photographies : Ministry of Design Pour en savoir plus, visitez le site de Ministry of Designhttp://modonline.com/

La ville de Melbourne (Australie) accueille un nouveau restaurant, le N° 19, dans un décor d'épicerie fine aux inspirations méditerranéennes des années 1950 : pour le plus grand plaisir des adeptes de cuisine végétarienne et d'architecture d'intérieur. Placée en plein centre-ville de Melbourne, la discrète façade du N° 19 camoufle une brasserie-café de 190 mètres carrés de surface et de 4,50 mètres de hauteur sous plafond au design épuré et aux teintes pastel et béton, ponctué de barres métalliques blanches et dorées. Un lieu tout en longueur qui se répartit en trois zones spacieuses, de l'entrée jusqu'aux cuisines disposées au fond de ce vaste espace. La première partie du restaurant comprend ainsi une trentaine de places assises composée de chaises en bois et d'une longue banquette gris et bleu canard parcourant le mur. Un coloris que l'on retrouve en face de cette dernière, sur le mur et le sol en carrelage peint main, qui habille le bar. La seconde partie du N° 19, plus loin dans la salle, se compose d'un autre ensemble d'une vingtaine de places assises, sans banquette cette fois, donnant sur une cuisine ouverte, créant une certaine intimité entre le chef et ses clients qui peuvent déguster leur plat tout en regardant ceux en cours de confection. Une certaine chaleur s'en dégage, renforcée par les appliques murales dorées aux faux airs de brasseries parisiennes, que l'on retrouve par ailleurs sous forme de lampadaires et de lampes sur le comptoir et qui complètent la grande quantité de lumière naturelle apportée par les fenêtres de toit. Le couple de propriétaire, Domenic et Diana Caruso, a réalisé ce qu'il avait toujours imaginé pour son restaurant : un endroit sophistiqué, mais accueillant. Une dégustation enivrante aussi bien pour les papilles que pour les pupilles donc. Photographies : Ari Hatzis Pour en savoir plus, visitez le site de Biasol

La ville de Melbourne (Australie) accueille un nouveau restaurant, le N° 19, dans un décor d'épicerie fine aux inspirations méditerranéennes des années 1950 : pour le plus grand plaisir des adeptes de cuisine végétarienne et d'architecture d'intérieur. Placée en plein centre-ville de Melbourne, la discrète façade du N° 19 camoufle une brasserie-café de 190 mètres carrés de surface et de 4,50 mètres de hauteur sous plafond au design épuré et aux teintes pastel et béton, ponctué de barres métalliques blanches et dorées. Un lieu tout en longueur qui se répartit en trois zones spacieuses, de l'entrée jusqu'aux cuisines disposées au fond de ce vaste espace. La première partie du restaurant comprend ainsi une trentaine de places assises composée de chaises en bois et d'une longue banquette gris et bleu canard parcourant le mur. Un coloris que l'on retrouve en face de cette dernière, sur le mur et le sol en carrelage peint main, qui habille le bar. La seconde partie du N° 19, plus loin dans la salle, se compose d'un autre ensemble d'une vingtaine de places assises, sans banquette cette fois, donnant sur une cuisine ouverte, créant une certaine intimité entre le chef et ses clients qui peuvent déguster leur plat tout en regardant ceux en cours de confection. Une certaine chaleur s'en dégage, renforcée par les appliques murales dorées aux faux airs de brasseries parisiennes, que l'on retrouve par ailleurs sous forme de lampadaires et de lampes sur le comptoir et qui complètent la grande quantité de lumière naturelle apportée par les fenêtres de toit. Le couple de propriétaire, Domenic et Diana Caruso, a réalisé ce qu'il avait toujours imaginé pour son restaurant : un endroit sophistiqué, mais accueillant. Une dégustation enivrante aussi bien pour les papilles que pour les pupilles donc. Photographies : Ari Hatzis Pour en savoir plus, visitez le site de Biasol

Le festival des D'Days vient d'inaugurer sa 17e édition restant fidèle à sa raison d'être : promouvoir le design et la création grâce à une dynamique et une effervescence collectives. À découvrir sous la nef du Musée des Arts Décoratifs de Paris (1er), une sélection d'"uvres réparties en une vingtaine de pavillons. Le festival des D'Days, dont le nom provient de la contraction des deux termes Designer's Days, est un événement transversal présent dans de nombreux lieux de la Capitale : du Grand Palais à la Gaité Lyrique, en passant par la galerie Joseph. Son but : mettre en avant la production de designers, souvent peu connus, ici associés à de nombreux partenaires. Cette sélection de projets témoigne de la vivacité et de la variété de la création française. La thématique de cette année, " Let's Play ", se veut volontairement ludique, et souligne la capacité du domaine à réinventer les règles, à rebattre les cartes et à créer de nouveaux usages. Les règles du jeu sont simples : elles sont en perpétuelle évolution. Dans un esprit participatif et collaboratif, les acteurs, du concepteur à l'usager, forment alors une chaîne solidaire et féconde qui a pour but de remodeler à l'infini le visage du l'esthétisme moderne. Par exemple, Kartell et le créateur néo-zélandais George Nuku présentent ici une série de meubles inspirée de l'art Maori. Une réinterprétation d'un savoir-faire typique, visible dans l'utilisation de certains matériaux comme la pierre, le bois, les coquilles et même les os. Sont également visibles des travaux plus traditionnels, comme les tapisseries des ateliers d'Aubusson ; l'installation audiovisuelle des frères Bodart avec leur Pianographe ; ou encore le Plan Symbiotique du studio Mameluca, une structure composée de poutrelles en bois et entièrement modulable, symbolisant un modèle social où les hommes peuvent vivre en harmonie entre eux, et avec la nature. Ainsi queIl'atelier textile de Dedar, intitulée Pachisi tapestry : a colour playground, qui permet de choisir son propre tissu et son coloris à disposer sur une toile, le visiteur devient à son tour designer. On note également Stairway to Infinity (probablement en hommage au célèbre morceau de Led Zeppelin) de l'agence RDAI, conçu en collaboration avec 3A Composites : un escalier de vingt-huit marches en bois de plus en plus étroites, placé dans l'angle d'une pièce. Mais cette pièce est recouverte des murs au plafond de miroirs, donnant une impression d'espace infini où tout objet se démultiplie encore et encore. Un volume hors du temps qui perturbe fortement le sens de l'orientation et la perception de ses visiteurs. D'Days, jusqu'au 14 mai 2017, Musée des Arts Décoratifs, Paris (1er) Photographies : 1) Esquisse de Stairway to Infinity, RDAI 2) Papier Machine, Marion Pinaffo & Raphaël Pluvinage  3) Entrée du festival sous la nef du Musée des Arts Décoratifs de Paris 4 ) Papier Machine, Marion Pinaffo & Raphaël Pluvinage  5) Stairway to Infinity, RDAI  6) Tissu Pachisi, Dedar 7) Divano Uncle Jack Te Aomarama, Kartell & George Nuku , © Raffaele Origone 8) Phoenix Pop, Marie Aurore Stiker Metral, Les Ateliers d'Aubusson  9) Pianographe, Florent & Romain Bodart 10) Premier plan : Tissu Pachisi, Dedar Second plan : Symbiotic Plan, Mameluca Studio, © Mameluca Studio Pour en savoir plus, visitez le site de D'Days 

Actuellement en chantier, la nouvelle gare Montpellier Sud de France située sur le site de La Mogère, est la seconde gare de Montpellier et représente un investissement de 135 M¤. Initialement vouée à devenir un jalon important du contournement ferroviaire Nîmes-Montpellier pour le fret, elle est aussi au c"ur du pôle d'échange multimodal souhaité ardemment par l'agglomération montpelliéraine. Quasiment terminée, elle comptera, pour commencer, quatre TGV par jour. Pas assez pour un projet de cette ampleur, estimeront certains.

Ce n'est sans doute qu'une coïncidence de dates mais il y a quelque chose d'indécent pour la mairie de Paris d'annoncer les résultats de son concours "Faire Paris" le 27 avril 2017, en pleine campagne du second tour de l'élection présidentielle. "Des projets fous", titre Les Echos. Est-ce vraiment ce dont la capitale française a […]

Seconde nuisance environnementale après la pollution de l'air, le bruit est un problème majeur pour les trois quarts des Franciliens au quotidien. Il représente un coût social de 16 milliards par an contre 57 milliards à l'échelle nationale (base OMS). Pour 45 % des habitants de la région parisienne, c'est le transport qui est responsable de tout ce tapage, avec 2,2 millions de personnes exposées. Le bruit routier vient en deuxième (1,7 million) suivi du bruit aérien (410 000) et en dernier lieu, le bruit ferroviaire (110 000). Les chantiers pour leur part, ne représentent que 5 % des nuisances sonores, un chiffre amené à augmenter avec la montée en puissance du Grand Paris.

Jeudi 27 avril avait lieu la remise des prix de la seconde édition du concours BIM 2017, organisée par Polantis. 9 finalistes étaient présents sur les dizaines de concurrents originaux, qui avaient pour tâche de concevoir la maquette numérique du nouveau centre-ville de Saint-Prix. Avant, un débat entre architectes et BIM managers s'était déroulé, afin de faire le point sur la situation du BIM en France.

Black Tendance® est un concours dédié aux professionnels qui met en valeur les projets d'exception de constructions d'aspect contemporain, avec des toitures aux tons foncés.

La ville de Séoul a lancé le projet Hangang Art Park. Les quatre artistes sélectionnés peuvent alors exposer leurs "uvres dans les parcs longeant la rivière Han, très appréciés des familles coréennes. Le thème de cette année : " Suim " " traduisible par " reposer " " a été interprété par le designer coréen Jiyoun Kim en une série de 24 tabourets nommée Dokkaebi. Le terme " Dokkaebi " appartient au folklore coréen et désigne un esprit, ou parfois une créature imaginaire, comparable aux trolls des mythes nordiques. Malgré un visage malfaisant, il se caractérise par son impartialité, en punissant les personnes mauvaises et bénissant celles qui font le bien. Et son habitat, qui est souvent la forêt, rejoint celui de l'"uvre de notre artiste. " Au même titre que le Dokkaebi manipule et change son apparence, les vingt-quatre tabourets s'immiscent naturellement dans leur environnement. " Jiyoun Kim Ce sont ainsi vingt-quatre tabourets arborant huit coloris différents que propose Jiyoun Kim. Réalisé en acier inoxydable, ces objets cylindriques se composent de deux parties : la première, en revêtement miroir, reflète son environnement et s'y camoufle donc ; la seconde constitue l'assise du tabouret et se caractérise par un coloris représentatif de chaque saison : du marron jusqu'au beige pour l'automne, du bleu givre pour l'hiver ou encore du jaune pour le soleil estival. Une composition qui crée une illusion de flottement de la zone supérieure. Une série de tabourets malheureusement pas disponible à la vente, mais qui sublimera le parc où il s'installe et son atmosphère de folklore fantastique, qui accueillera peut-être même un Dokkaebi un peu trop fatigué, voulant se reposer à l'ombre des pins. Photographies/Illustrations :Jiyoun Kim Studio Pour en savoir plus, visitez le site de Jiyoun Kim Studio  

L'Institut technologique FCBA (Forêt, Cellulose, Bois-construction, Ameublement), l'UFME (Union des Fabricants de Menuiseries) et le CSTB présentent la nouvelle campagne de communication dédiée aux fenêtres certifiées NF. Elle s'inscrit dans la continuité des précédentes campagnes développées depuis 2012 pour promouvoir les " Fenêtres NF ". Le film publicitaire décliné dans la presse prend le parti pris de l'humour, en mettant en scène un vendeur et son client dans une scène décalée. On y retrouve les thématiques de l'isolation thermique et phonique, sources principales d'intérêt pour les personnes qui achètent des fenêtres. Ce spot de 20 secondes permet de rappeler les critères attendus pour obtenir la certification NF, gage de qualité pour des fenêtres sûres, performantes, qui isolent parfaitement du bruit, des courants d'air et du froid pour longtemps. Cette campagne 2017 s'appuie sur un plan media combinant la diffusion d'un spot sur des programmes proposés en Replay TV sur M6, et une campagne en presse magazine professionnelle et presse décoration grand public, via : un spot diffusé dans des émissions de décoration " phares " de M6, sur le canal Replay TV des insertions publicitaires dans une sélection de numéros parmi les principaux titres de la presse magazine professionnelle et décoration/aménagement. Un spot publicitaire Il sera diffusé en exclusivité pendant 6 mois sur les émissions de décoration de la chaîne TV M6, en replay, auprès d'un c"ur de cible composé pour 55 % de 25-49 ans, 60 % de femmes et 37 % de CSP+. Parce qu'on estime à plus de 20 millions le nombre de Français spectateurs de télévision en replay (appelée aussi télévision de rattrapage), ce mode de consommation de programmes de télévision offre une opportunité de présence plus ciblée, avec un objectif de 5 350 000 impressions sur la période, et 7 millions de vidéos vues. À partir du 10 avril et jusqu'au mois d'octobre, les téléspectateurs des émissions décoration et immobilier du Replay TV de M6 : " Chasseurs d'appart ", " D&Co ", " Maison à vendre ", " Recherche Appartement ou Maison ", " Un trésor dans votre maison ", retrouveront régulièrement le spot publicitaire " Fenêtres certifiées NF, les vrais pros vous les conseillent ", destiné à sensibiliser les propriétaires de logements, prescripteurs et artisans, aux atouts des fenêtres certifiées NF. Une campagne media print Elle est organisée sur une sélection de titres de magazines de presse professionnelle et décoration/aménagement. D'avril à décembre 2017, différentes insertions publicitaires paraîtront dans : les magazines de presse professionnelle :L'Écho de la Baie, numéro spécial Batimat de novembre ;V&MA, numéro spécial Batimat d'octobre / novembre ;Stores et Fermetures, dossier spécial Fenêtres d'avril et spécial Batimat de novembre ;Verre et protections, numéro spécial Résidentiel de mars/avril et spécial Batimat de novembre/décembre. les titres de la presse décoration/aménagement :Maison Créative, hors-série spécial Rénovation " dossier Fenêtres d'octobre ;Système D, dossier Rénovation de juillet ;Côté Projets de juin. Le dispositif de cette campagne magazine sera également accompagné d'une campagne d'emailing auprès des abonnés de l'Écho de la Baie. Disponible sur fenetres-nf.fr et sur les sites de l'UFME, de FCBA et du CSTB, le nouveau film publicitaire peut également être visionné sur YouTube et partagé sur les réseaux sociaux. En savoir plus : www.fenetres-nf.fr Contact CSTB : laurent.doffin@cstb.fr

Dans le cadre du festival DesignMarch 2017, le duo de designers islandais And Anti Matter lance sa première collection de luminaires. Des lignes radicales que ses deux fondateurs, Þórey Björk Halldórsdóttir et Baldur Björnsson, ont présentées dans une usine de brosses à charbon de Reykjavík sur une musique expérimentale composée par ce second. Dans cette collection, point d'abat-jours. Les créateurs ne cherchent en rien à camoufler ce néon que nous ne saurions voir... ils subliment au contraire cette silhouette fluorescente au profil d'émetteur en la courbant et en la recouvrant partiellement d'un tube en acier, qui offre un contraste avec un piètement géométrique aux motifs de Terrazzo composé de cônes tronqués et de plateaux, non sans rappeler l'approche tout en dérision des mouvements Superstudio et Archizoom. Ces éléments modulaires sont par ailleurs vus par les designers comme les composants de sculptures modulaires à assembler à l'envi. Des luminaires situés aux confins de l'art et du design donc, voire même de la musique. Photographies : And Anti Matter et Gulli Mar Pour en savoir plus, visitez le site de And Anti Matter

Dans le cadre du festival DesignMarch 2017, le duo de designers islandais And Anti Matter lance sa première collection de luminaires. Des lignes radicales que ses deux fondateurs, Þórey Björk Halldórsdóttir et Baldur Björnsson, ont présentées dans une usine de brosses à charbon de Reykjavík sur une musique expérimentale composée par ce second. Dans cette collection, point d'abat-jours. Les créateurs ne cherchent en rien à camoufler ce néon que nous ne saurions voir... ils subliment au contraire cette silhouette fluorescente au profil d'émetteur en la courbant et en la recouvrant partiellement d'un tube en acier, qui offre un contraste avec un piètement géométrique aux motifs de Terrazzo composé de cônes tronqués et de plateaux, non sans rappeler l'approche tout en dérision des mouvements Superstudio et Archizoom. Ces éléments modulaires ont par ailleurs été imaginés par les designers comme les composants de sculptures modulaires à assembler à l'envi. Des luminaires situés aux confins de l'art et du design donc, voire même de la musique. Photographies : And Anti Matter et Gulli Mar Pour en savoir plus, visitez le site de And Anti Matter

Monier France, filiale française du groupe Braas Monier, organise la seconde édition du concours Black Tendance. Du 15 mars au 7 juillet 2017, architectes, constructeurs, entreprises de pose et promoteurs peuvent participer à ce concours qui vise à récompenser les meilleures créations utilisant la nouvelle couleur tendance : le noir. Meriem Dussart, directrice marketing et communication chez Monier France, nous en dit plus.

Dix ans après le centre Beaugrenelle, en 1969, l'architecte Henri Pottier conçoit le centre Charras comme le nouveau centre-ville de Courbevoie. Si la rénovation du premier a été livrée en 2013 par Valode&Pistre, la ville de Courbevoie a annoncé fin janvier 2017 la transfiguration du second sous la houlette de l'agence Arte Charpentier, avec une […]

En collaboration avec le photographe et artiste Charles Pétillon, la marque américaine Sunbrella " leader dans la fabrication de textiles dits de " haute performance " ", magnifie ses produits à travers un projet artistique créatif et surprenant nommé Connexions. Une structure gonflable de dix ballons liés entre eux et habillés de tissus techniques, pour un résultat mesurant plus de 4,20 mètres de hauteur. Le but de cette création est d'explorer les possibilités offertes par le matériau afin d'en proposer une présentation atypique, qui va plus loin que le simple exposé d'échantillons. Le montage s'accompagne en outre d'un travail de photographies et de vidéos, présentant Connexions dans des décors et des lieux autres qu'une salle d'exposition ou un musée, pour créer un lien entre l'art et le lieu où il s'exprime. La seconde liaison s'établit dans un cadre beaucoup plus littéral, puisque que la marque et l'artiste-photographe ont développé un site web dédié à Connexions, où les utilisateurs peuvent déplacer la structure dans l'espace via des captures de Google Street View, et devenir le temps de quelques clics eux-mêmes artistes. Un nouveau pont apparaît, cette fois entre le réel et le virtuel, ainsi qu'entre spectateur et créateur, dont les rôles se confondent finalement. Lancée à Milan, l'installation est destinée à devenir itinérante et à parcourir les exhibitions et autres événements artistiques. Cette "uvre qui fait interagir trois protagonistes " Sunbrella, Charles Pétillon et le spectateur ", allie parfaitement art visuel et espace, où la matière se définit par rapport au monde qui l'englobe. Photographies : Charles Pétillon Pour en savoir plus, visitez le site de Sunbrella et de Charles Pétillon

En collaboration avec le photographe et artiste Charles Pétillon, la marque américaine Sunbrella " leader dans la fabrication de textiles dits de " haute performance " ", magnifie ses produits à travers un projet artistique créatif et surprenant nommé Connexions. Une structure gonflable de dix ballons liés entre eux et habillés de tissus techniques, pour un résultat mesurant plus de 4,20 mètres de hauteur. Le but de cette création est d'explorer les possibilités offertes par le matériau afin d'en proposer une présentation atypique, qui va plus loin que le simple exposé d'échantillons. Le montage s'accompagne en outre d'un travail de photographies et de vidéos, présentant Connexions dans des décors et des lieux autres qu'une salle d'exposition ou un musée, pour créer un lien entre l'art et le lieu où il s'exprime. La seconde liaison s'établit dans un cadre beaucoup plus littéral, puisque que la marque et l'artiste-photographe ont développé un site web dédié à Connexions, où les utilisateurs peuvent déplacer la structure dans l'espace via des captures de Google Street View, et devenir le temps de quelques clics eux-mêmes artistes. Un nouveau pont apparaît, cette fois entre le réel et le virtuel, ainsi qu'entre spectateur et créateur, dont les rôles se confondent finalement. Lancée à Milan, l'installation est destinée à devenir itinérante et à parcourir les exhibitions et autres événements artistiques. Cette "uvre qui fait interagir trois protagonistes " Sunbrella, Charles Pétillon et le spectateur ", allie parfaitement art visuel et espace, où la matière se définit par rapport au monde qui l'englobe. Photographies : Charles Pétillon Pour en savoir plus, visitez le site de Sunbrella et de Charles Pétillon

Le VIA (Valorisation de l'Innovation de l'Ameublement) a 40 ans ! Pour fêter cet anniversaire, l'organisme s'offre une exposition itinérante, " No Taste for bad taste ". À l'occasion de sa présentation à l'Institut français de Milan, la rédaction de Muuuz a rencontré le touche-à-tout et inclassable Jean-Charles de Castelbajac qui s'est ici plié à l'exercice de la scénographie. Il y avait du second degré, de la poésie dans l'air, de l'émotion dans les mots et des étoiles dans les yeux. Muuuz : Pourquoi le VIA vous a-t-il choisi pour être scénographe de cette exposition ?Jean-Charles de Castelbajac : Je suis l'excellence incarnée ! Depuis 30 ans, je conçois de manière décloisonnée : j'ai toujours fais du design, de la mode, de l'art, etc. Au départ, j'étais comme un petit ruisseau à contre-courant, puis je suis devenu une rivière, un fleuve, maintenant je suis arrivé à la mer.C'est amusant que le VIA m'ait choisi. Quand on me l'a proposé, j'ai tout de suite accepté avec joie ! Comment avez-vous choisi le titre " No taste for bad taste " ?Nous l'avons choisi avec les équipes du VIA, mais il aurait également pu être " No taste for good taste " car le goût est quelque chose de subjectif. Personnellement, j'ai le goût de l'imparfait. Comment avez-vous opéré la sélection de quarante pièces de design français présentée lors de l'exposition ? et leurs dix valeurs associées (art de vivre, héritage, savoir-faire, élégance et touche de luxe, etc.) ?Tout ceci s'est décidé de manière collégiale, rigoureuse et arbitraire. Mon seul regret : qu'il n'y ait pas 10 pièces de plus qui parlent de demain car pour moi toute exposition doit annoncer la relève.Les dix valeurs essentielles qui nous ont permis de répartir notre sélection de quarante objets se sont imposées d'elles-mêmes, de concert avec le conseil supérieur du VIA. Moi, je leur ai juste donné une définition moderne en leur associant chacune un pictogramme que j'ai dessiné, car j'ai la passion des blasons. Pour moi un dessin en dit plus que de longues phrases. Parmi ces dix valeurs, dans laquelle vous reconnaissez-vous particulièrement ?" Le beau bizarre ! ", qui aurait pu être la onzième de ces valeurs ! ou le trouble, l'invisible, le mystère... Quels principes ont guidé votre intervention répartie en dix tentes ?L'idée était de parler de nomadisme, de voyage dans le temps. De faire quelque chose de très onirique, de très français, avec une référence au style national, à la tradition, et d'en faire perdurer le savoir-faire. En effet, ces tentes sont tout sauf modernes : leur chapiteau est en fonte, elles sont peintes à la main... mais elles sont avant tout l'expression d'un geste. La base de mon travail est ainsi de prendre l'histoire et de la transformer : je suis un conteur d'histoire. C'est ce que j'ai voulu dire dans ma scénographie, faire vivre aux visiteurs un voyage presque enfantin, régressif. Quelle histoire se cache donc derrière ces tentes ?Elles ont été faites à Paris par les Ateliers Richard, avec qui j'avais déjà travaillé dans les années 1970 dans le cadre de défilés de mode, et qui fabriquaient déjà ce type de structures du temps de la cour à Versailles. Avec eux, je voulais ramener le goût de l'excellence. Cela faisait longtemps que je n'étais pas autant rentré dans les détails, comme le faisait par exemple Mies van der Rohe dans ses maisons. J'ai aussi voulu créer toute une dramaturgie autour de l'arrivée de ces tentes, en dessinant des caisses en bois peintes dans lesquelles tout ce campement peut être transporté et qui peuvent s'emboîter comme un mécano. Comme un voyage de comédiens dans le temps ou les campagnes militaires de Jules César, chaque caisse contient ici un élément : les tentures, les montants, les chapiteaux, etc. " Au final, je n'ai jamais été aussi créatif. C'est fascinant ! Quand vous créez depuis cinquante ans, sans mélancolie : un classement générique émotionnel s'immisce à l'intérieur de vous. Le concept se met alors immédiatement en route... " Jean-Charles de Castelbajac Photographies :1) ©James Bort (www.jamesbort.com)3, 4, 5, ) ©Francesco Secchi Pour en savoir plus, visitez le site du VIA, du French design et de Jean-Charles de Castelbajac  

Le VIA (Valorisation de l'Innovation de l'Ameublement) a 40 ans ! Pour fêter cet anniversaire, l'organisme s'offre une exposition itinérante, " No Taste for bad taste ". À l'occasion de sa présentation à l'Institut français de Milan, la rédaction de Muuuz a rencontré le touche-à-tout et inclassable Jean-Charles de Castelbajac qui s'est ici plié à l'exercice de la scénographie. Il y avait ici du second degré, de la poésie dans l'air, de l'émotion dans les mots et des étoiles dans les yeux. Muuuz : Pourquoi le VIA vous a-t-il choisi pour être scénographe de cette exposition ?Jean-Charles de Castelbajac : Je suis l'excellence incarnée ! Depuis 30 ans, je conçois de manière décloisonnée : j'ai toujours fais du design, de la mode, de l'art, etc. Au départ, j'étais comme un petit ruisseau à contre-courant, puis je suis devenu une rivière, un fleuve, maintenant je suis arrivé à la mer.C'est amusant que le VIA m'ait choisi. Quand on me l'a proposé, j'ai tout de suite accepté avec joie ! Comment avez-vous choisi le titre " No taste for bad taste " ?Nous l'avons choisi avec les équipes du VIA, mais il aurait également pu être " No taste for good taste " car le goût est quelque chose de subjectif. Personnellement, j'ai le goût de l'imparfait. Comment avez-vous opéré la sélection de quarante pièces de design français présentée lors de l'exposition ? et leurs dix valeurs associées (art de vivre, héritage, savoir-faire, élégance et touche de luxe, etc.) ?Tout ceci s'est décidé de manière collégiale, rigoureuse et arbitraire. Mon seul regret : qu'il n'y ait pas 10 pièces de plus qui parlent de demain car pour moi toute exposition doit annoncer la relève.Les dix valeurs essentielles qui nous ont permis de répartir notre sélection de quarante objets se sont imposées d'elles-mêmes, de concert avec le conseil supérieur du VIA. Moi, je leur ai juste donné une définition moderne en leur associant chacune un pictogramme que j'ai dessiné, car j'ai la passion des blasons. Pour moi un dessin en dit plus que de longues phrases. Parmi ces dix valeurs, dans laquelle vous reconnaissez-vous particulièrement ?" Le beau bizarre ! ", qui aurait pu être la onzième de ces valeurs ! ou le trouble, l'invisible, le mystère... Quels principes ont guidé votre intervention répartie en dix tentes ?L'idée était de parler de nomadisme, de voyage dans le temps. De faire quelque chose de très onirique, de très français, avec une référence au style national, à la tradition, et d'en faire perdurer le savoir-faire. En effet, ces tentes sont tout sauf modernes : leur chapiteau est en fonte, elles sont peintes à la main... mais elles sont avant tout l'expression d'un geste. La base de mon travail est ainsi de prendre l'histoire et de la transformer : je suis un conteur d'histoire. C'est ce que j'ai voulu dire dans ma scénographie, faire vivre aux visiteurs un voyage presque enfantin, régressif. Quelle histoire se cache donc derrière ces tentes ?Elles ont été faites à Paris par les Ateliers Richard, avec qui j'avais déjà travaillé dans les années 1970 dans le cadre de défilés de mode, et qui fabriquaient déjà ce type de structures du temps de la cour à Versailles. Avec eux, je voulais ramener le goût de l'excellence. Cela faisait longtemps que je n'étais pas autant rentré dans les détails, comme le faisait par exemple Mies van der Rohe dans ses maisons. J'ai aussi voulu créer toute une dramaturgie autour de l'arrivée de ces tentes, en dessinant des caisses en bois peintes dans lesquelles tout ce campement peut être transporté et qui peuvent s'emboîter comme un mécano. Comme un voyage de comédiens dans le temps ou les campagnes militaires de Jules César, chaque caisse contient ici un élément : les tentures, les montants, les chapiteaux, etc. Au final, je n'ai jamais été aussi créatif. C'est fascinant ! Quand vous créez depuis cinquante ans, sans mélancolie : un classement générique émotionnel s'immisce à l'intérieur de vous. Le concept se met alors immédiatement en route... Photographies :1) ©James Bort (www.jamesbort.com)3, 4, 5, ) ©Francesco Secchi Pour en savoir plus, visitez le site du VIA, du French design et de Jean-Charles de Castelbajac

Le distributeur des outils de guidage Trimble met sur le marché une version améliorée de son GCS 900 3D. L'application de guidage sera disponible au second semestre 2017.

REPORTAGE. Après le premier centre humanitaire parisien à la Porte de la Chapelle, Batiactu a découvert le second construit en quatre mois et demi sur la commune d'Ivry-sur-Seine. Son architecte Valentine Guichardaz- Versini, de l'Atelier Rita nous explique son parti pris social et architectural.